Cultura

Medioevo Digitale non è solo un album da ascoltare tutto in un fiato, ma è soprattutto il canto intimo e sensibile di una crescita spirituale raccontata in sette tracce.

“E andiamo a vedere cosa ha fatto l’asfalto alla città”. Così ha inizio la prima traccia di Medioevo Digitale, il nuovo concept album di Androgynus: band grossetana nata da un progetto congiunto di Gabriele Bernabò e Allegra Fanti. Il disco co-prodotto con Davide Sorresina e missato da Stefano Bechini sarà portato dal vivo da Stefano Giuggioli (batteria), Andrea Voira (tastiere e cori), Stefano Terribile (basso elettrico) e lo stesso Gabriele Bernabò (voce, chitarra e synth).

Partiamo dal nome del gruppo, Androgynus, a cosa fa riferimento?

Dimentica il concetto di ermafrodito. Ricordi il mito dell’androgino di Platone? L’essere umano in principio era più completo perché composto da entrambi le parti: il maschile e il femminile. Non riguarda l’orientamento sessuale o le caratteristiche fisiche, ma una sorta di equilibrio energetico fra le parti. Una duplicità che crea interezza, forza. Questa duplicità è richiamata anche nel medium: io (Gabriele) mi dedico alla parte di composizione testuale e musicale, Allegra cura le grafiche e i visuals. Realizziamo così un’unione androgina in cui la musica supporta l’arte visiva e l’arte visiva supporta la musica.

Noto una duplicità anche nel nome dell’album, Medioevo Digitale, più vicina però all’ossimoro. Da dove nasce questo titolo?

Nasce da un’osservazione del mondo circostante. A diciannove anni mi sono trasferito a Roma e mi sono trovato catapultato in una città caotica, frenetica e inquinata. Da questo iniziale spaesamento nasce il primo testo, Asfalto, che descrive la rabbia di un ragazzo, quasi un bambino, di fronte a un’iper-urbanizzazione che ha sepolto per sempre la Natura. Dal primo all’ultimo testo seguiamo il vissuto del narratore che si sente un microrganismo inascoltato in un macrocosmo delirante e che soffre la scissione sociale fra l’avanzamento tecnologico e il deterioramento della vita interiore. Il narratore parte da un senso di insoluto per muoversi nel mondo alla ricerca di un equilibrio.

Riesce a trovarlo poi questo equilibrio?

Nelle ultime tracce c’è una presa di consapevolezza da parte del narratore, uno spostamento di baricentro: lo sguardo si sposta dall’esterno all’interno. Nell’ultimo testo, Mattino, l’io lirico si rende conto che non dovrebbe giudicare, che forse la strada giusta da percorrere non è nella condanna dell’altro. Non si arrende, ma suggerisce di provare ad accettare lo stato delle cose, di lasciare andare il giudizio senza però disarmarsi nella lotta per il cambiamento. Possiamo parlare di un umile ottimismo fiducioso in un risveglio collettivo, ma anche di un monito ad accogliere il reale e attingere alle proprie risorse interne.

Ci sono degli echi a qualche artista, qualcuno a cui ti senti particolarmente debitore?

La musica mi accompagna da sempre nel quotidiano e inevitabilmente sono influenzato da ciò che ascolto. I nomi imprescindibili del mio retaggio sono i Beatles, Battiato, Battisti, i Verdena, i Tame Impala, Niccolò Contessa e, in questo caso, Andrea Laszlo De Simone. Sono debitore al suo secondo album Uomo Donna per la struttura che Laszlo riesce a dare a questa opera così completa e singolare. Forse il primo concept album di successo in Italia dagli anni Settanta, è un lavoro raffinato e portatore di un vero e proprio messaggio poetico.

Abbiamo detto che nel vostro progetto sono inscindibili musica e visivo, l’una serve a spiegare l’altro e viceversa.

Sì, Allegra si occupa della parte visiva. È sua la copertina dell’album che illustra il paradosso di una realtà virtuale: una piantagione infinita di schermi televisivi, su una distesa di cemento, mostrano una natura rigogliosa e colorata. Ma la Natura è solo mostrata, non reale, non tangibile. L’immagine arriva immediata e ci fa sentire la contraddizione di questo Medioevo Digitale, di una collettività che preferisce vivere e interagire attraverso uno schermo, attraverso un’illusione di vita.

Intervista di Marta Carfì

Nato a Treviglio in provincia di Bergamo, Ludovico Colombo è un artista e studente di Arti Visive al corso magistrale dell’Università IUAV di Venezia. Il suo lavoro parte da una ricerca spirituale e intellettualistica, ispirata dai suoi viaggi in India, Africa e Medio Oriente, dall’assidua lettura di testi poetici e dall’interesse per la letteratura mistica orientale.

Attraverso le sue fotografie, sculture e installazioni, Ludovico esplora le tematiche del rapporto tra sguardo e territorio, del paesaggio interiore e del superamento metafisico delle nostre barriere sensoriali. Purtroppo l’artista non sarà presente al festival CON.TATTO perché risultato positivo al Covid-19, fortunatamente in una forma non grave, che però lo ha costretto nella sua stanza durante le feste natalizie.

Sei un artista molto eclettico. Quali sono i mezzi espressivi che preferisci? 

Amo sperimentare e variare, ma preferisco il disegno e la scultura reinterpretati come performance. Mi interessa l’ambiguità dell’atto performativo, che trasforma il corpo in opera d’arte, in una statua che mantiene però la capacità di muoversi. Quando inizio una performance, il mio obiettivo è far capire quanto è sottile il movimento di una persona che rimane ferma.

Cosa presenti al festival CON.TATTO?

Espongo un progetto sviluppato durante il primo lockdown, “Icaro don’t call me bae”. Ho ripreso il titolo da un brano del rapper Tedua: è una delle poche volte in cui mi ispiro alla cultura pop, di solito sono la poetica e i libri dei mistici orientali a influenzarmi. L’opera è composta da tre fotografie del cielo, in origine analogiche e scattate con un rullino scaduto dalla finestra della mia camera, poi proiettate in digitale su tre schermi. 

L’immagine nasce già corrotta, impressa sulla cellulosa degradata e chimicamente decaduta. L’acquisizione in digitale delle fotografie rappresenta un passaggio di stato ulteriore, che trasporta le immagini da una dimensione fisica a una nuova dimensione immateriale. Infine, la presentazione su schermo impedisce al cielo di rimaterializzarsi nella stampa cartacea.    

Articolo di Michelangelo Gennaro

Francesca Bianchi è nata e cresciuta in maremma, che è anche la cornice dei suoi scatti in analogico.

Le sue fotografie saranno esposte al Cassero di Grosseto, nella mostra CON.TATTO organizzata dall’associazione GROW dal 28 al 30 Dicembre.

Perchè hai portato foto esclusivamente notturne?

Più che una scelta si è trattata di un'esigenza, chi lavora di giorno spesso può uscire solo di buio e bisogna fare di necessità virtù, questo mi ha messa in condizione di sperimentare fonti di luce anche estemporanee tipo i fari della macchina o la torcia del telefono. Quello che mi interessa è non dipendere dai vari mezzi come studi o postproduzioni che si rischia di diventare bravi tecnici e avere poco da dire.

Nelle tue foto i soggetti sono perlopiù nudi, è una scelta ben precisa.

E pure questa è un'esigenza, il vestiario contestualizza, ci rende spazio e tempo, passare in rassegna gli armadi diventa un ostacolo e credo che il corpo sia l'uniforme più democratica che esista. Quando scatto vedo persone liberate dal costume, che si riappropriano della nudità con cui sono nate.

Anche i luoghi che ti fanno da sfondo sembrano fuori dal tempo.

Sì, ogni foto è scattata all'aperto, in maremma, il mio posto preferito per i set fotografici perchè è rimasto come sospeso, selvatico, anche quando gli ambienti utilizzati sono prati, campi o orti vicino casa mia, quelli della mia infanzia. Questi luoghi mi danno energia e così riesco a fidarmi, sono posti familiari ma sempre da scoprire.

Articolo di Leonardo Marzocchi

Non è mai stato così facile intervistare qualcuno. Isabel mi accoglie con un grande sorriso e un fiume di parole che solo gli impegni hanno avuto il potere di interrompere: avrei continuato a parlare con lei per ore, per giorni. Fotografa e artista visuale italo-cubana di 24 anni, la sua formazione post-diploma passa dalla Facoltà di Filosofia, a una tappa in Olanda fino ad arrivare a un diploma di tecnico di produzione video conseguito tre mesi fa. Noi di Grow l’abbiamo scoperta nel corso della sua residenza artistica DUNE nel Parco Regionale della Maremma e ce ne siamo subito innamorati.

Per la mostra CON.TATTO Isabel ci propone il primo atto del suo progetto SPAZI SOMATICI, un viaggio interiore verso l’esterno visto alla luce dell’ecologia profonda e delle arti visive ed atto a creare nuove consapevolezze in merito alle possibili interazioni e contaminazioni tra umano e natura.

Mi racconteresti la gestazione di SPAZI SOMATICI?

Il video nasce in forma embrionale per la residenza DUNE, organizzata dall’Accademia Mutamenti in collaborazione con il Collettivo Clan. È un video a cui sono molto affezionata, per la prima volta mi sono posta come soggetto di fronte alla macchina. Di solito io sono l’occhio e la mano dei miei progetti, ma in questo caso ho deciso di mettere in atto la parte performativa e di utilizzare il mio corpo. Alla base del progetto ci sono tre domande: Come può il corpo diventare paesaggio? Come posso portare il paesaggio nel corpo? Come può essere un corpo, paesaggio?

Sai ero completamente sola durante la realizzazione del video, sola con la mia macchina fotografica e lo specchio circolare. Tutti i supporti sono stati assemblati con elementi trovati in natura, come legni o rifiuti. È stato un processo lunghissimo, ho speso molto tempo a studiare il paesaggio, i suoni e soprattutto le diverse angolature.

Nel video, oltre al tuo corpo e al paesaggio, ci sono due grandi protagonisti: lo specchio e i suoni

Sì, ho scelto di usare lo specchio perché è un oggetto con cui avevo già lavorato e che funge da portale, un ponte tra il corpo e il paesaggio, come una finestra sul mondo.

Il paesaggio sonoro è invece frutto della felice collaborazione con Rossana Della Pace, cantautrice interessata alla musica popolare mediterranea. L’audio che puoi sentire in Spazi Somatici è il risultato dell’incontro tra la potenza vocale di Rossana e i suoni campionati sul luogo. Penso che Rossana abbia fatto un lavoro incredibile, il paesaggio sonoro è fatto da note che si ripetono, compongono un ciclo. Come vedi, torna l’idea di circolarità anche nello specchio: tutto fa capo alla cultura animista e a quell’idea di osmosi fra realtà interiore ed esteriore. La natura è in noi e noi siamo la natura. Inoltre la circolarità richiama anche la componente femminile della ciclicità.

Nonostante la naturalezza che sta dietro al tuo corpo nudo nel video, immagino che non sia stato così facile esporsi, mi sbaglio?

Sono abituata a lavorare con la nudità, è il pubblico che spesso non è abituato a pensare un corpo come solo corpo. Materia che non chiede di essere sessualizzata. La mia non è neanche una ricerca sul corpo femminile, ma sul corpo panico. Non sessuale, ma vivo, essenziale, parte del creato. Mi spoglio della mia identità e, nel mio lavoro, chiedo agli altri di fare lo stesso.  

Sei fondatrice e direttrice artistica di “Natural Mente Corpo”, di cosa si tratta?

È un progetto artistico che ho ideato di ritorno dall’Olanda, mentre stavo scontando i 14 giorni di quarantena obbligatoria a marzo del 2020. Nasce dalla volontà di creare uno spazio sicuro e non giudicante per giovani che vogliono confrontarsi con una fase creativa ed artistica. In collaborazione con l’attrice Marta Maltese abbiamo organizzato 4 giornate in Val di Susa aperte a chiunque volesse operare una ricerca artistica collettiva sull’ambiente naturale. Da quello che era partito come un esperimento, prende vita un progetto importante, anche dal punto di vista sociale. Seleziono con cura i candidati, preferisco lavorare con persone non avvezze alla ricerca artistica. Chiedo alla persona selezionata di liberarsi dei suoi oggetti, vestiti, della sua identità. Credo che sia proprio questo che li spinge a candidarsi, l’occasione di spogliarsi, di uscire dalla comfort zone, di perdere i connotati che ci stringono e costringono nel quotidiano. Mi sento come un contadino per loro, preparo il terreno fertile e tramite la cura lascio che il seme germogli. Mi dedico molto al soggetto, a volte stiamo soli in mezzo alla natura per settimane. La fase creativa è quella fondamentale, è una ricerca che si autoalimenta. Non post-produco nulla, voglio che il soggetto fotografato si veda senza filtri. I feedback di coloro che hanno partecipato sono entusiasti, mi donano grandissima soddisfazione. Li aiuto a tornare alla primordialità dell’essere nel mondo.

Primordialità e natura, due costanti. Come si sono instillate nella tua pratica?

Sai non mi chiamo Isabel a caso, il mio nome è ispirato a Isabel Allende: la mia infanzia è stata segnata dalle parentesi cubane e da ‘La città delle bestie’.  Ho vissuto questa duplice esperienza di crescere a Torino e visitare la mia famiglia paterna che lavora il tabacco in una zona rurale e isolata di Cuba. Passavo le giornate con i cuginetti a piedi scalzi, coltivando il rapporto con la mia parte naturale. In parallelo, nei romanzi dell’Allende ho trovato invece un’aura di magia, mi sono avventurata in queste storie di rituali, di culture tradizionali e rurali. Ma questa è stata solo la prima formazione, crescendo ho approfondito il rapporto con una ricerca culturale, filosofica, estetica e spirituale. Sto cercando di tenere insieme le diverse esperienze, tra natura, cultura, arte e teatro. Ma sono consapevole che esercitare la primordialità con la scusante dell’arte sia una paraculata, un compromesso. In questo compromesso trova ampio spazio la meraviglia: quando qualcosa ci meraviglia per la sua bellezza (e non parlo di bellezza estetica) entriamo in connessione con qualcosa di autentico, profondo, primordiale che risiede dentro di noi. La grande sfida è dunque destare meraviglia in noi e negli altri e lasciare che la si sperimenti.

Articolo di Marta Carfì

Laurel Hauge (Phoenix, Arizona 1994) è un’artista e scrittrice che vive e lavora a Milano. È stata inclusa in mostre collettive al Center for Book and Paper Arts di Chicago, alla Elizabeth Foundation for the Arts di New York e ha recentemente esposto nella seconda edizione di ReA! Art Fair a Milano. Nel 2020 si è tenuta la sua mostra personale a North Pole Exhibitions, Chicago. È co-fondatrice della casa editrice Have a Nice Day Press e i suoi scritti sono stati recentemente inclusi nelle pubblicazioni Color Tag Magazine, The Lab Review e SoapOpera Fanzine. 

Laurel espone I think about / all the things I could reach / before you, un’opera video che esplora la tematica delle relazioni a distanza utilizzando materiali collezionati su Google Earth.

RI: Nella descrizione dell’opera che presenterai al festival CON.TATTO hai scritto di essere stata influenzata dall’isolamento che hai sofferto quando vivevi a New York. In questa occasione l’arte ti ha fornito un mezzo per incanalare e trasformare lo stress e l’ansia?

LH: Penso di aver affrontato quelle emozioni negative attraverso la scrittura, componendo testi che si potrebbero definire poesie “sulla vita”.

Sviluppo spesso nuove idee scrivendo, prima di arrivare al risultato finale. Anche il progetto I think about / all the things I could reach / before you è nato in forma scritta, diventando poi una bandiera e più tardi ancora un video per North Pole Exhibitions.

RI: Sei a tuo agio con molti medium artistici, dalla poesia alla performance passando dalla video arte. Quali scrittori e artisti ti hanno influenzata?

LH: Per quanto riguarda scrittori e poeti direi che Raymond Carver, Dorothy Parker, Cormac McCarthy e Patrizia Cavalli hanno avuto un grande impatto su di me e sulla mia pratica artistica. Il tipo di scrittura verso cui mi muovo è spesso semplice ma viscerale, cosa che vale anche per la maggior parte degli artisti visivi che prediligo. Mi piacerebbe scrivere una poesia che riesca a trasmettere ciò che provo quando guardo o penso alle opere di Antoni Tàpies, Tania Pérez Córdova o Christopher Wilmarth.

RI: Per alcuni mesi i social media sono stati l’unico mezzo per comunicare con gli altri o per entrare in contatto con il mondo esterno. Questo ha rafforzato o indebolito il tuo rapporto con l’arte digitale?

LH: Sono stata molto felice di avere opere che potevo condividere facilmente tramite immagini o mostre online ma questi ultimi due anni hanno alimentato il mio desiderio di realizzare un numero maggiore di opere fisiche, che esistano al di fuori del mio hard drive. Per esempio i lavori che sto sviluppando adesso sono sculture, serigrafie, libri d’artista e performance. Credo fermamente nell’idea che un’opera d’arte non possa dirsi realizzata senza uno spettatore e che nulla possa sostituire l’esperienza di trovarsi in una stanza piena di opere, in dialogo fra di loro e con il fruitore, o in una stanza vuota in cui una sola installazione può richiedere tutta l’attenzione. Al contrario, negli spazi digitali è spesso difficile riuscire a ottenere un pieno coinvolgimento dello spettatore.

Articolo di Riccardo Innocenti